Dopo la morte del padre si trasferisce da Tunisi a Livorno. Di formazione autodidatta riceve buoni consigli dal pittore Ludovico Tommasi, con cui entra in contatto nel 1915, a Campolecciano, località delle Colline Livornesi.
Negli anni venti si fa notare per una serie di mostre che gli rendono una certa notorietà nazionale. Sono gli anni in cui elabora un’arte che muove dai moduli stilistici di Mario Puccini senza peraltro esserne imprigionata. Nel 1920 è tra i fondatori del Gruppo Labronico, alle cui esposizioni collettive parteciperà puntualmente negli anni seguenti. Nel 1922 espone con Primo Conti alla Fiorentina Primaverile. Nel 1923 è alla Galleria La Vinciana di Milano, dove ottiene il positivo responso critico di Carlo Carrà e i complimenti del pittore Benvenuto Benvenuti. Nel 1926 è a Bottega d’Arte, presentato da Enrico Somarè. Nel 1927 espone alla Galleria l’Esame di Milano con presentazione di Carlo Carrà. A quel punto gli giungono inviti ad esporre all’estero. Nel 1929 è alla Galleria L’Artistique di Nizza e al XXXV Salone della società delle belle arti di Nizza.
Nel 1930 è alla Galleria Bernheim Jeune di Parigi. Questa esperienza ispira, nello stesso anno, la mostra a Bottega d’Arte di Livorno, dove viene presentato da Ettore Petrolini. Nel 1938 diviene assistente all’Accademia di belle arti di Firenze. La sua pittura assume con il tempo tonalità chiare, con l’artista che va a distribuire il colore su spazi sempre più larghi.
Nel 1956 partecipa al Premio del Fiorino di Firenze e nel 1959 al XIII Premio Michetti. Nel 1961 vince il Premio Nazionale di pittura città di Olbia.
Nel 1966 è presente alla IX Quadriennale di Roma.
Negli anni settanta il suo tema preferito sono le nature morte con bottiglia, dove i richiami all’opera di Giorgio Morandi sembrano evidenti.
È considerato uno degli artisti più moderni tra i fondatori del Gruppo Labronico, anche se la sua opera ha finito per avere la stessa collocazione commerciale di quella dei pittori di fine Ottocento e i primi del Novecento.

Sigfrido Nannucci

Certaldese, classe 1936, Nannucci propone in questa sua antologica tutto il proprio percorso artistico, iniziato fin da giovane, alla fine degli anni ’50, partecipando alal scuola libera dell’Accademia d’aret di Firenze.
Formatosi poi come ceramista a Montelupo, nel 1960 a Certaldo allestisce la sua prima personale di pittura, di cui ricorre appunto quest’anno il cinquantesimo anniversario.
Da qui, Nannucci ha intrapreso con successo l’attività di pittore, con importanti mostre in Toscana e nelle principali città italiane ed europee, riconoscimenti della critica e tanti premi vinti a concorsi di pittura in tutta Italia.

Nature morte, figure umane assorte, paesaggi che si stagliano di un paesaggio frastagliato e multicolore, ma anche suggestioni rupestri che riemergono in alcuni graffiti.
”Nel vasto arco creativo di Nannucci la gamma dei temi trattati è oltremodo ricca e variegata – dice ancora Paolo Tieto – ogni dipinto è una lunga dilettevole narrazione, che dice di sé con la bellezza delle forme e insieme con l’eloquio dell’animo”.

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La pittura di Bruno Nardi

Quel che colpisce nella pittura di Bruno Nardi è la magia della luce, della luce vivificante, onirica e solare dei suoi paesaggi, dipinti nell’ alternarsi delle stagioni, nella rotazione delle colture e e dei lavori agricoli.

I suoi paesaggi rispecchiano le sue intime emozioni, le suggestioni e i suggerimenti che gli provengano dal luminoso , e “numinoso” spettacolo della Natura, che la sua generosa terra toscana gli offre in un infinito caleidoscopio di panorami, di vedute, di angoli, di scorci di unica ed edenica bellezza.

La sua è una pittura decisamente paesaggistica, che per molteplici aspetti, pare spingersi fino ai confini e alle blasonate ascendenze dei pittori “macchiaioli” , è reinterpretata da Nardi, con un suo personalissimo stile cromatico e descrittivo di moderna “fraganza”. Questo artista, possiede uno stile essenziale, nitido, pulito, sereno, di grande resa visiva, da cui traspare in modo inequivocabile la sua abilità tecnica, nel “raccontare” e nel proporre i suoi paesaggi con tutta la passionalità di innamorato della bellezza incantata dei suoi luoghi di sogno e di fiaba.

Sinuosi e leggiadri profili di colline toscane ricoperte di tenui colori primaverili, di messi dorate, nudità di “crete” trafitte da solinghi cipressi, rigogliosi filari di generosi e nobili vigneti, arature di campi, geometrie di colture, bucolici scenari agresti, sereni orizzonti su cui affacciare la nostra anima per spaziare nell’ infinito e su onirici scorci di antichi borghi e solitari casolari, trovano nell’ampie e sapienti campiture dei colori la realizzazione di quei “paesaggi del cuore”, di cui Nardi è maestro e in cui viene la voglia di indugiare e di sperdersi con lo sguardo per apprezzarne tutta la bellezza e la grazia.

Patrizio Spinelli

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Andrea Quarto

E’ nato a Lucca nel 1959. All’età di ventisei anni, nel 1985, attraversò il deserto del Sahara con una carovana di nomadi. Fu un viaggio fantastico di 50 giorni da Zagorà in Marocco a Timbuktù in Mali. L’installazione che ne segui (prima ancora che la pittura) rivelò non solo la bellezza di quei paesaggi, ma “la meditativa immensità e purezza del deserto: un luogo dove la vita pare assolutamente impossibile, dove il vento e la sabbia sono i veri padroni”. E’ curioso e sintomatico il fatto che, nel giro di pochi anni, il giovane pittore lucchese passò dalla quiete solenne del deserto ai nuclei di vitalità interiore delle oasi e quindi, focalizzando l’immagine, alle brulicanti vegetazioni che escono con prepotenza dalla sabbia. Per alcuni anni Quarto ha giocato sul “limite” estremo delle forme e dei colori: dove “limite” significa l’estremo grado di percezione sensoriale. Oggi i suoi dipinti come del resto le sue sculture si identificano chiaramente. Anche i maestri che prima aleggiavano qua e là (ad es. V. Van Gogh) hanno ceduto il passo ad una personalità che è emersa sempre più. Oggi Andrea Quarto è uno degli artisti più validi di una generazione che pur si può ancora chiamare giovane (la prima mostra, a Forte dei Marmi, risale al 1977). Quel che è mutato è la graduale fusione della luce, cioè la definizione di un’atmosfera che risponde ad un determinato “clima”. Predominano sempre i colori freddi, con gli inconfondibili azzurri e viola; ma le “rotture” dei rossi e dei gialli sono meno violente. I colori, tendono sempre più a fondersi; i gialli diventano meno elettrici e tutto acquista un tono generale che affascina. Siamo in un ambito che si potrebbe definire neonaturalistico e che risponde alle esigenze stesse della cultura più attuale: laddove il pittore sente e trasmette il respiro della terra, le sue vibrazioni, i suoi profumi, la sua vitalità. L’arte, pur rispondendo alla perfezione di una tecnica base, interpreta la qualità sensoriale di un ambiente che è assimilato e nel contempo reinventato, cioè riportato nell’alveo di una poetica fantasia.

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Giorgio Gabbrielli

Nasce a Livorno nel 1929 e rimane nella città natale fino alla piena maturità, quando si trasferisce a Piombino dove continua la sua attività professionale e decide di stabilirsi stabilmente.

Da giovane, infatti, apprende i fondamenti del dipingere dai Maestri Sani e Fontani. La passione per la pittura lo porta ad avere rapporti e contatti con i pittori labronici quali Chiellini, Meneganti, Bimbi, Biondi ecc.

E’ in questi anni labronici che Gabbrielli perfeziona la propria tecnica di resa pittorica e acquisisce, facendola poi espressione personale, quella predilezione per i toni caldi tipica della scuola di Fontani.
Nel 1963 si trasferisce a Piombino come insegnante presso l’Istituto Tecnico Industriale e pur essendo impegnato nella sua professione non smette mai di coltivare la passione per la pittura.

A Piombino istaura rapporti di amicizia con Sozzi ed il francese Jan Day,in seguito con i pittori Maurilio Colombini, Romano Guantoni,Renzo Mezzacapo, Nedo Fabbri e Gianfranco Autunnali.
Artista eclettico,Giorgio Gabbrielli varia dai personaggi alle nature morte anche se la sua predilezione va ai paesaggi campestri.
Quando affronta le figure,pur lasciando molto spazio all’immaginazione,con un sapiente uso dello sfumato, le caratterizza con alcune movenze ben definite che le fanno diventare tipologicamente affini tra loro.Nello studio delle nature morte si ispira sempre a determinati oggetti base dai quali trae ispirazione per le varie diversificazioni.Questo ripetersi di modalità e tipologie fa della pittura di Gabbrielli un’arte concreta e accademica che trasmette e da ad intendere una grande stabilità intellettiva.

Quando tratta temi ambientali,il pittore preferisce la campagna,gi sfondi collinari messi in evidenza da una prospettiva,per lo più centrale,creata da filari di alberi. E’in queste composizioni che il filo conduttore dell’intera opera pittorica di Gabbrielli prende il sopravvento e diventa dominante;la trattazione dei toni caldi,lo sfumare degli arancioni e dei rosa entro i quali la prospettiva sfonda in orizzonti morbidi e quieti.

Opere disponibili:

Giampaolo Talani

nasce a San Vincenzo (Livorno) nel 1955.
Abita e lavora da sempre a San Vincenzo. Ha frequentato il Liceo Artistico e l’Accademia delle Belle Arti di Firenze, dove è stato allievo di Goffredo Trovarelli.
Le sue opere fanno parte di importanti collezioni pubbliche e private. Espone a New York, Washington, Parigi, New Orleans, Innsbruck, Colonia, Amburgo, Düsseldorf, Beirut, Parigi, Berlino e collabora con le più importanti gallerie italiane e straniere.
Giampaolo Talani è un pittore/scultore toscano di assoluto rilievo, con un legame molto forte con Firenze dove ha studiato e mosso i primi passi di artista. La sua origine livornese fa ricordare un altro autore, Giovanni Fattori che nell’incisione aveva trovato un modo personale di esprimere il proprio mondo poetico.
Ha maturato una profonda preparazione artistica, frequentando prima il Liceo Artistico poi l’Accademia di Belle Arti in Firenze. La curiosità che gli è propria lo ha indotto a coltivare i generi tradizionali della pittura e a sperimentare anche altre tecniche compresa l’incisione e la pittura a fresco di cui è – tra i contemporanei – uno dei pochi profondi conoscitori. Le sue opere sono presenti in prestigiose collezioni sia in Italia che all’estero (la sua pittura è molto amata in particolare negli Stati Uniti).
Di lui hanno scritto numerose personalità del mondo della cultura, e tra gli altri: Vittorio Sgarbi, Umberto Cecchi, Giovanni Faccenda, Tommaso Paloscia, Nicola Micieli, Riccardo Ferrucci. Con “La grafica giovane”, per la prima volta si trovano raccolte in unico volume le più significative incisioni del maestro, risalenti agli anni ‘70 – ’80. La nuova tiratura delle acqueforti giovanili di Talani è opera di Raffaello Becattini, maestro stampatore fiorentino, che ha voluto ricalcare nuovi fogli dalle antiche lastre, in occasione dei vent’anni di attività della sua storica stamperia, regalando così l’opportunità di conoscere anche il lavoro incisorio di Talani, conosciuto soprattutto per i dipinti e gli affreschi.

Opere Ancora disponibili:

In esclusiva nazionale opere uniche (olii e affreschi) presenti nella mostra “Muri strappati” di Pontassieve

Giuseppe Chiari

nasce a Firenze nel 1926. Dopo gli studi di ingegneria, nel 1947 inizia la sua attività musicale e nel 1950 inizia a camporre. Nel ’61 con Pietro Grossi fonda l’associazione Vita Musicale Contemporanea. Con Sylvano Bussotti coordina la mostra itinerante Musica e Segno. Dal 1962 entra a far parte del gruppo internazionale e interdisciplinare Fluxus, nato negli USA per promozione di George Maciunas e impostato su comportamenti alternativi e continui sconfinamenti della specialità dei linguaggi. Nel ’63 viene eseguito a New York il suo lavoro “Teatrino” all’interno di una serie di concerti organizzati da Charlotte Moorman e Nam June Paik. Partecipa in seguito al Gruppo 70, poesia concreta, per la parte musicale. Pubblica il libro “Musica senza contrappunto” nel ’69 e “Senza Titolo” nel ’71. Nel 1970 smette di comporre ed inizia una intensa attività di concerti, performances, conferenze che lo portano, fra l’altro, a Berlino, Londra, Parigi, Vienna, Milano, Venezia, Roma, New York. La sua attività come artista visivo lo porta ad essere considerato oggi l’artista Fluxus italiano più importante in campo internazionale. Muore a Firenze nel maggio del 2007.

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Opere Ancora disponibili:

SERGIO SCATIZZI

EVENTO SPECIALE: IN MOSTRA PRESSO LA NOSTRA GALLERIA LE PIU’ IMPORTANTI OPERE DEL MAESTRO.

Sergio Scatizzi nasce a Gragnano il 20 ottobre 1921 e trascorre la giovinezza in Valdinievole e nella campagna lucchese. Giovanissimo soggiorna a Napoli per poi passare a Roma, dove si avvicina all’ambiente artistico e conosce Mafai.

Del ’36 è il primo soggiorno a Parigi, da dove nel ’38 ritorna stabilendosi a Montecatini. A questo anno risalgono i primi dipinti di paesaggi e le prime nature morte. Nel ’38 conosce Comisso e nel corso della guerra incontra anche De Pisis e Morandi. Tornato a Montecatini riprende a dipingere nel ’43, conoscendo Soffici. Nuovo viaggio a Parigi (1948) con Comisso e altri amici e nuovo incontro con De Pisis.

Tiene la prima personale nel 1949 a Montecatini e l’anno successivo espone alla Biennale di Venezia. Dal ’51, per qualche tempo, frequenta Rosai e si lega d’amicizia con Tirinnanzi, Marcucci, Capocchini, Pregno, mentre si stabilisce a Firenze. Dal ’56 in poi entra in rapporti con la Galleria L’Indiano e comincia a presentarsi annualmente o quasi in mostre che si tengono in varie città italiane.

Nel 1976 all’Accademia di Belle Arti di Carrara si tiene una vasta antologica e sei anni più tardi la Galleria La Strozzina di Firenze dedica a Scatizzi una mostra di 200 opere dal 1936 al 1982.

Negli anni Ottanta e Novanta tiene numerose mostre nelle maggiori gallerie italiane e due a Los Angeles. Nel 1977 la Galleria d’Arte Moderna di Palazzo Pitti a Firenze organizza una retrospettiva delle sue opere “informali” dipinte a cavallo degli anni Sessanta.

Opere ancora disponibili:

Mario Madiai

Nasce a Siena nel 1944. Frequenta dal 1957 al 1963 l’Istituto d’Arte “Augusto Passaglia” di Lucca e, sin da giovanissimo, si dedica alla pittura. Si distingue subito nelle manifestazioni artistiche nazionali più qualificate degli anni ’60 e ’70, tra le personalità più attente e sensibili alle tematiche del reale: la critica più avveduta lo segnala, per le sue doti creative straordinarie, tra gli esponenti artistici più preparati e accreditati. Del suo lavoro si sono occupati studiosi e critici come Pier Carlo Santini, Elio Mercuri, Raffaele Monti, Tommaso Paloscia, Renato Valerio, Mario Quesada e Manina Corgnati, Giuseppe Cordoni, Marco Palamidessi. Il suo rapporto con la pittura, lungo più di quarant’anni, è fatto di affetto, di amore, ma anche di sfida nell’affrontare sempre nuove situazioni per risolvere nuovi problemi. Attualmente vive e lavora a Lorenzana (PI).

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